Human Harp

Navegando, encontré esto. Habla por si solo:

Humanharp from humanharp on Vimeo.

Proyecto Gráfico

Estas son las últimas imágenes generadas con los conceptos ideados para el proyecto gráfico. Lo aprendido en la naturaleza se manifiestan en muchos momentos en los conceptos gráficos. Desde patrones lineales y radiales que crecen siguiendo la escala de fibonacci, ritmos que se repiten con proporción áurea y mas.
Los últimos dibujos que no fueron completamente comentados en clase son los que tienen comentarios.

 Este es un evolución de una imagen creada en la etapa de creación del proyecto gráfico. Explora temas bastante amplios, como por ejemplo el posicionamiento de los elementos teniendo en cuenta la localización vertical y horizontal. Tal como hacia John Cage en sus composiciones con piedras, ya que las colocaba en sitios precisos de acuerdo con cada imagen. En este caso, este posicionamiento vertical y horizontal se ajusta con los colores. La pintura utilizada estaba mezclada con arenas y tierras de colores que mejoraban el tono de la pintura original así como la textura. Por último, esta pintura estaba mezclada en agua con 1/5 de cola blanca para que se pueda mezclar y pintar bien. Estos colores cambian ligeramente de tono según subimos o nos movemos a la derecha, en este ultimo caso hacia la desaturación. Lineas inclinadas sirven para dar un poco de profundidad a la imagen y recrear la sensación de extracto de tierras. Las lineas verticales organizan el ritmo, siendo la última capa de la composición

Estas composiciones siguen casi las mismas reglas de las anteriores, pero ahora de manera radial. Los colores también tienen una intervención en el sentido de cambio de tono y saturación. Los movimientos son medidos y repetibles, ya que consisten en mantenerse dentro de un espacio delimitado. Aquí es latente la referencia de las fotografías de Emmet Gowinm donde se ve el ritmo establecido dentro de la geometría principal no necesariamente debe seguir el ritmo mayor, creando así composiciones de más interés.

Este es uno de los primeros trabajos intentando manejar estos conceptos naturales a gran escala. Se intenta dar una profundidad de paisaje gracias a las lineas inclinadas, la fuerte textura de la pintura y sus colores.

Viaje de Campo

                El día 17 de noviembre, domingo, fui al Cerro de los Ángeles, en el km 14 de la carretera del sur, con intención de sumergirme en lo natural, en lo terrestre, de la misma manera que un escafandrista hace al alcanzar el mundo abisal. Allí encontré un enorme pinar prácticamente desierto, aparte de una que otra liebre, y pude perderme y aislarme allí durante algunas horas. Me llevé mi cámara de fotos, materiales para dibujar y malabares para distraerme. Al principio me interesaron los diferentes patrones que era capaz de generar la naturaleza. Cada uno que encontraba era fotografiado y intentaba recrearlo en un boceto. Patrones de las grietas en la tierra resultantes de un re secamiento, la cáscara del tronco de un árbol, el exoesqueleto de un insecto… Es increíble como estamos acostumbrados a ver estos patrones y como son ignorados por nuestro consciente. Son rápidamente reconocidos y asociados a algún material, aunque estén des contextualizados. Pero repetirlos no resultó tan sencillo. La dificultad de dibujarlos es tal, porque cualquier discrepancia del patrón, es rápidamente atrapada por nuestro ojo. En seguida veía cosas que no concuerdan nunca tenían el ‘frescor’ del patrón natural.

                Durante todo mi paseo me encontré con unos cuantos pinos que estaban fuera del orden establecido y habían sido cortados, en tiempos y maneras diferentes. Esto me interesaba, pero otro sentido, ya que tengo una pequeña obsesión con composiciones donde hay una circunferencia inscrita en un rectángulo (http://www.flickr.com/photos/nicolastappero/sets/72157627858151575/). Esta era una excelente oportunidad para hacer unas fotos cenitales y que además daban muchas pistas sobre los árboles.  

                Estas son las fotos y vídeo de lo que vi y viví:

Vista prévia de Proyecto Gráfico.

Algunos dibujos del proyecto gráfico antes de publicar el viaje de campo que tiene más texto e imágenes.
La técnica es parecida para todos. Con la espátula y una gran cantidad de pintura acrílica recreando conceptos de tierra natural.

Algunas fotos del Gymgraphic

Estas son algunas fotos del ejercicio hecho en clase la 3ª semana, el gymgraphic. 

Este día no dividimos en grupos de 4, donde 2 experimentaban con el movimiento y el espacio, uno lo representaba de manera plástica y otro lo plasmaba con instantáneas. Estas 5 instantáneas son parte de mi turno como fotógrafo. En sí ya tienen muchos conceptos del gymgraphic y creo que funcionan muy bien por si solas.

Perdón por haber tardado tanto en publicarlas pero no suelo tratar las fotos de inmediato, prefiero dejar un colchón de tiempo después de haberlas hecho, a mi siempre me ha sido efectivo.

6ª Clase

Voy un poco retrasado en mis actualizaciones del Blog, pero antes tarde que nunca.

En esta 6ª clase amplié un poco mis estudios sobre los retratos.

Estos 4 retratos se hicieron en gran formato 70x100cm y con técnicas distintas con intención de experimentar:

Este es un retrato que hice de un compañero. Me situé en un angulo de mi sujeto y bastante cerca y quise concentrarme en pequeñas curvas de su perfil que marcan un apariencia.

Este retrato es casi una secuencia del anterior, ya que en la misma posición respecto al sujeto, cambié el medio pero aún buscando estar curvas características.

El tercero retrato de la secuencia. Un poco más alejado y mirando más la parte de tras de su cabeza. Una posición un poco anti natural para un retrato, pero aún así podía encontrar curvas características suyas y captar un poco se la esencia del sujeto.

Este último es una experiencia de auto retrato. De esta vez no lo hice con los ojos cerrados, pero con el papel al revés. Con la boca arriba y los ojos abajo me podía concentrar más en la relaciones de los objetos de la cara por eso me hice solo movimientos continuos y circulares. Cada color es una ruta facial y todas juntas completan el auto retrato.

+-1961, La Expansión de las Artes.

La exposición del Reina Sofía intenta demostrar que  la década de 60 fue esencial para la evolución de las artes. Se cambió el modo de hacer arte y se aceptaban experimentos con otros campos y ortos materiales.  Aquí seleccionadas 5 obras de la exposición que representan uno de estos cambios y un poco su desarrollo.

La idea que une estas obras es un cambio en la intención. No se trata de un objeto que al ser concebido sirve un propósito claro que se deriva en su forma, ni una obra de arte que sus condiciones son puramente intrínsecas. La intención aquí es bastante clara, y en general tratan de traducir un mensaje con una serie de reglas complejas con ayuda de la composición gráfica:

Muchas de las obras expuestas utilizaban la música y sus conceptos como aliados. Esta es una representación gráfica de una sinfonía compuesta por el proprio artista con unas leyes no compartidas con la música convencional.

La Monte Young, EEUU.
Vision, 1959
Partituras Compositivas

Composiciones realizadas a partir de diagramas o tramas especificos y objetivos.

Dick Higgins, Inglaterra.
Graphics, 1960

Poesía que utiliza una composición gráfica como apoyo.

Claus Bremer, Alemania.
Konkret Poesie nº5, 1961

Transcripción de una Opera mecanografiada.

Emmett Williams, EEUU.
An Opera, 1960-63.

George Maciunas, Lituania.
Fluxus, 1966.

Este trabajo sobre Fluxus generó todo un movimiento a su alrededor con contribuciones de otros artistas:

Nam June Paik, Corea del Sur.

Fluxus Island, 1963

Análisis Cruzado

Me imagino que actividades parecidas al Gymgraphique sean comunes entre muchos artistas, aunque cada uno lo interprete de manera un poco diferente. Por ejemplo, las experiencias corpo-espacio-temporales que hicimos en clase servían claramente para poco a poco acostumbrar el cuerpo y la mente a las experiencias que se realizarán. Te desconectan de lo que te distrae y te acerca a lo que se debe representar. Te ayuda a comprender que pertenecemos a un mundo no deja de moverse, siguiendo leyes que no fallan. Algunos de los ejercicios de movimiento que se hicieron en clase trataban de una manera metafórica la acción de la gravedad que los grandes astros hacen uno en los otros en el gran baile celestial. Que no solo yo me muevo, pero también mi objeto. Estoy seguro que artistas con tendencias cubistas estaban a par de esto e intentaban agregarlo a sus composiciones:

Ejemplos de cuadros cubistas de Picasso y Jean Metzinger.

Algunos artistas dan el máximo valor ese acto, movimiento. Hacen de un solo gesto el sujeto principal, creando obras de arte sencillas y minimalistas, pero llenas de fuerza e intención:

Cuadros de la Artista Brasileña Tomie Othake.

Otro ejemplo de arte gestual son algunos dibujos de una línea de Picasso por ejemplo. El concepto es el mismo, hacer de un solo movimiento, una sola línea, la composición, pero ahora un poco más controlado y con un significado menos abstracto. De cualquier manera, este último concepto seria el que abarca en mayor parte los conceptos de las experiencias corpo-espacio-temporales y la Gymgraphique. Para realizar estas pequeñas composiciones, con un solo gesto, pero llenas de movimiento y intención, seguro que se hizo falta entrar en un mismo estado con ese movimiento tanto corporal como mentalmente.

Pablo Picasso y Steve Lohman.